DRAWING FACTORY

Vues d'atelier

Portraits des artistes

CENTRE D’ART CONTEMPORAIN PRIVE DÉDIÉ AU DESSIN

> 20 SEPTEMBRE 2021

Sur une initiative de Christine Phal, Fondatrice du Drawing Lab Paris, de Carine Tissot, directrice de DRAWING NOW Art Fair et du Drawing Hotel, avec le Centre national des arts plastiques (Cnap) et en partenariat avec SOFERIM, promoteur immobilier, la DRAWING FACTORY a ouvert ses portes dans un ancien hôtel situé au 11 avenue Mac Mahon Paris 17^ème.  Afin de trouver les artistes qui participent au projet, un appel à candidatures national a été réalisé du 15 février au 8 mars 2021. Des 400 candidatures reçues, 33 artistes ont été invités à intégrer la DRAWING FACTORY le 22 mars 2021. Elle restera ouverte jusqu’au 19 septembre 2021.

VISITE GUIDEE

1^er ETAGE  CHLOE POIZAT

Née en 1970 à Saint-Cloud, Chloé Poizat est diplomée des Beaux-Arts d’Orléans en 1993, puis pendant un an suit le cours de Françoise Héritier au Collège de France. À partir de 1995, elle commence à collaborer avec la presse et l’édition (Libération, Le Monde, The NewYork Times, The New-Yorker...), tout en poursuivant son travail de plasticienne de façon plus ou moins souterraine. Aujourd’hui elle se consacre presque exclusivement à sa pratique artistique. Elle est représentée par la galerie 22,48m2 depuis 2019. @CHLOEPOIZAT CHLOEPOIZAT.COM

CAMILLE FISCHER

Camille Fischer est née en 1984, vit et travaille à Strasbourg. Elle est diplômée de l’Académie Royale d’Anvers (fashion design) et de la HEAR Strasbourg (atelier bijoux). Sa pratique est pluridisciplinaire, mêle dessins, collages, objets, bijoux, vêtements, textiles, performances et installations pour tendre vers un art total. Par certains aspects elle s’inscrit dans un héritage symboliste (faisant référence à William Morris ou Huysmans). Comparable par sa sophistication, son travail s’en distingue toutefois. Il refuse en effet la fascination morbide des artistes d’alors, mais retient leur inquiétude historique devant les bouleversements de la révolution industrielle, faisant écho à la mondialisation contemporaine.

http://www.maiamuller.com/camille-fischer/oeuvres/

POOYA ABBASIAN

Pooya Abbasian est un artiste iranien né en 1985 basé à Paris depuis 2011. Sa pratique se déploie à travers la photographie, la vidéo, le dessin et l’installation. Le temps passé à travailler auprès de cinéastes a influencé la manière dont il envisage et questionne la construction, la diffusion et la réception des images. Il aspire à rendre ces procédés visibles mais également à construire ses propres fictions visuelles à travers les images qu’il trouve sur des sites d’actualités et ses propres clichés ou enregistrements. Les ambiguïtés et les états transitoires intéressent Abbasian plus que les affirmations. C’est dans cet état d’esprit qu’il recherche des passerelles entre les médiums et teste continuellement de nouvelles techniques.

https://p-abbasian.com/

DALILA DALLÉAS BOUZAR

Dalila Dalléas Bouzar est née à Oran en 1974. Elle s’est d’abord formée à la biologie. Diplômée des Beaux-Arts de Paris, elle crée des ateliers de peinture à Oran durant un an. Elle collabore très vite avec des galeristes à Berlin, Marseille, Abidjan et Paris, participe régulièrement à des expositions collectives dans des institutions. Depuis le début de son parcours artistique elle développe la peinture et la performance avec comme base toujours le dessin. Le style figuratif de Dalléas Bouzar, à la croisée du réalisme et de l’onirisme, refuse l’autorité d’un dessin trop net au profit d’une expérimentation sans limite des couleurs et de la lumière.

https://cecilefakhoury.com/artists/27-dalila-dalleas-bouzar/overview/

http://www.daliladalleas.com/

https://youtu.be/_F9IPxTndus 

Extrait : « Je me suis retrouvée à la campagne. Dans le champ là-bas j’ai une petite cabane qui m’a servie d’atelier du confinement. J’ai accroché les cartons des tapisseries que j’étais en train de faire et […] je me suis rendue compte qu’elles n’étaient pas du tout finies. »

« Le corps est notre vaisseau principal pour exister ». Que ce soit à travers la peinture ou la performance, l’œuvre de Dalila Dalléas Bouzar met en avant le rapport au corps. En écho au philosophe Paul B. Preciado, l’artiste voit le corps comme un enjeu politique, mais aussi un outil de pouvoir. S’approprier son corps lui permet ainsi de tendre vers une certaine forme de liberté. Alors que dans la performance, l’artiste invoque quelque chose de direct, d’immédiat, qui interpelle le spectateur, elle dit volontiers que sa peinture a besoin d’être côtoyée pour être comprise. Inspirée par les grands maîtres du XVIIe et XVIIIe siècles qu’elle a vus et revus au Louvre, elle voit dans la peinture une dimension sacrée. Tombée elle-même dans la peinture presque par hasard, lors d’un workshop à Berlin juste après la chute du mur, elle aime le challenge que lui impose ce médium dans sa pratique quotidienne : un défi technique de maîtrise de la matière qui se combine à la force de l’outil pinceau lui permettant d’imaginer de nouvelles formes de représentation et de créer de nouvelles symboliques. La place de la femme dans la société et dans l’art, le colonialisme, la question de la communauté et le corps dans tout ce qu’il représente de charnel sont autant de thématiques qui passionnent l’artiste.

Dalila Dalléas Bouzar est née en 1974 à Oran, Algérie. Après une formation en biologie, elle se tourne vers l’art et obtient son DNSEP à l’École des Beaux-Arts de Paris en 2003. Elle a fait l’objet d’expositions en France comme à l’international et a été lauréate de nombreux prix, dont le prestigieux Goldrausch Künstlerinnen Projekt à Berlin en 2013. Ses œuvres font partie de collections publiques et privées à travers le monde. Dalila Dalléas Bouzar est représentée par la galerie Cécile Fakhoury (Abidjian, Dakar, Paris).

« 2020 » est une série d’entretiens menés auprès des lauréats et lauréates de l’appel à projets lancé par le FRAC Nouvelle-Aquitaine MÉCA en avril 2020 pour soutenir les artistes face aux conséquences de la pandémie.

QUENTIN SPOHN

Né en 1984 à Colombes, Quentin Spohn effectue ses études jusqu’en 2013 à la Villa Arson à Nice. Il a la possibilité depuis sa sortie d’école de réaliser des expositions personnelles à travers la France, et de participer à un certain nombre d’expositions collectives. Il a également eu l’occasion de développer des projets spécifiques dans le cadre de résidences, en France et à l’étranger. Sa pratique est avant tout basée sur le dessin. Très sensible à la manière dont ce médium peut être sans cesse réinterrogé, il essaie, à travers les différents projets qu’il mène, d’expérimenter utilisant des techniques et supports divers. @QUENTINSPOHN

https://easyzoom.com/profile/42649

https://www.espace-avendre.com/pages/expo.php?id_expo=188&categorie=ancien

https://www.espace-avendre.com/expositions/188/oeuvres_presentees.pdf

Espace A VENDRE présente un solo-show enthousiasmant de Quentin Spohn. Cet artiste, qui a fait de la pierre noire son meilleur allié, déploiera une fresque monumentale et grandiose qui occupera la totalité de la salle la plus vaste de l’Espace A VENDRE : Le Château.

Voir la fresque en ultra haute définition de la fresque de Quentin Spohn, réalisée spécialement pour le Château d' Espace A VENDRE. • lien : https://bit.ly/2VntE6g

Vous pourrez ainsi explorer virtuellement les moindres détails de cette œuvre fascinante de plus de 35 mètres de long, inspirée autant par la peinture Flamande du XVIè siècle que par la Bande dessinée ou la Science fiction. IMPORTANT ! Pour une pleine efficacité de ce logiciel nous vous conseillons de mettre les dessins en plein écran dés le début ! Régalez vous!

Formé à la Villa Arson, dont il est diplômé depuis 2013, Quentin Spohn enchaine depuis expositions et prix, confortant une pratique singulière, virtuose, fascinante. Triplement récompensé lors du salon Jeune Création en 2017 (lauréat des prix Filaf, Art Collector et Jennifer Flay), il a participé à des expositions à Nice (Villa Cameline, Villa Arson, Galerie de la Marine, etc.), Paris (Espace Niemeyer, galerie Thaddeus Ropac, Bastille Design Center, etc.), Bordeaux ou Marseille. Il a également fait l’objet de plusieurs expositions personnelles à Paris (Premier Regard), Pékin, ou Nice (Le Dojo).

Exposé par le passé à l’Espace A VENDRE lors d’expositions collectives, cette première exposition personnelle marque le début d’une collaboration à long terme qui se prolongera dès le mois de mars avec la présentation de Quentin Spohn (artiste en focus) au Carreau du Temple, à Paris, pour l’incontournable salon du dessin Drawing Now.

[…] « Travailleur infatigable, pas besogneux, mais prolifique Spohn opère sur grands formats. Pour ses tableaux les plus complexes, fourmillants de personnages et de détails, la linéarité du récit est difficile à reconstituer, car il procède par associations d'idées et d'images, comme dans un rêve éveillé. En amont, il cultive les séquences de dessins, associées à quelques œuvres auxquelles il se réfère. Son triptyque - Sans titre, 2012 - rappelle les scènes carnavalesques d'Ensor ou les personnages des gravures de Dix ou Beckmann, ailleurs ce sont ceux de Crumb et Bosch. Puis, à force d'esquisses successives, les scènes s'autonomisent et se distinguent à travers la frénésie d'une farce grouillante. » S. Cattini

CLOVIS RÉTIF

Né en 1995, Clovis Rétif étudie d’abord le design et l’architecture et travaille trois ans dans ce domaine. Il quitte ensuite Paris pour partir vivre à Montréal afin de se consacrer pleinement au dessin.

Aujourd’hui, il vit et travaille entre Bruxelles et Paris. Ayant toujours aimé la nature et la solitude, il a pourtant toujours habité en ville, cette antinomie est devenue pour lui source d’inspiration. Son travail parle d’équilibre naturel, de solitude créatrice, du présent et de l’avenir, de la difficulté de se projeter dans un futur effrayant.

https://www.clovisretif.com/

THOMAS LÉON

Thomas Léon est né en 1981 à Dijon. Son travail a fait l’objet d’expositions institutionnelles françaises et internationales : Listening to Transparency au Minsheng Art Museum de Shanghai (2017), Cruces Sonoros : Mundos Posibles au MAC de Santiago du Chilli (2016), Rendez-vous 11 à l’Institut d’art contemporain à Villeurbanne (2011) et à la South African National Gallery à Cape Town (2012). Il fait partie des collections du Cnap, de la Fondation Louis Vuitton et de la Ville de Pantin.

http://www.thomasleon.net/

Le travail de Thomas Léon porte sur l’habitat au sens large (environnement, urbanisme, architecture) dont découle une partie de ses problématiques : les décalages complexes qui apparaissent entre un projet, sa représentation et sa mise en œuvre ; les liens entre formes plastiques et enjeux de pouvoir ; la pertinence d’usage de ces formes dans la durée. À la croisée du cinéma et des arts graphiques, il s’incarne principalement dans des films et installations vidéo et sonores ainsi que dans des dessins de grand format. Il puise ses sources dans un ensemble hybride de références : projets architecturaux des avant-gardes, littérature utopique, cinéma de genre, sciences naturelles, éléments d’interface graphique issus des écrans. Il s’attache à faire dialoguer des préoccupations et des techniques traditionnelles (dessin au fusain ou à la mine de plomb, importance de la mimesis, etc.) avec des problématiques et technologies contemporaines (modélisation 3D, rapport aux écrans, etc.).

2^ème ETAGE

BORIS KURDI

Boris Kurdi est né en 1990, il vit et travaille à Paris. Il s’intéresse aux forces intentionnelles que nous exerçons sur les images et les objets et leur contexte de fabrication dans l’art et la société. L’univers iconographique des œuvres de Boris Kurdi prend source au sein d’une multitude de mondes, provenant autant du domaine de l’entreprise et du tertiaire que du monde de l’enfance, des ingénieurs, et surtout de l’Histoire. Il est sélectionné pour le Prix Fondation Pernod Ricard 2020/2021.

@BORISKURDI

MAXIME VERDIER

Maxime Verdier est né à Dieppe en 1991. Il envisage le quotidien comme un « portail vers le surnaturel », un « lieu où l’impossible devient possible », des termes qui pourraient aussi bien qualifier sa pratique artistique. En puisant dans un réservoir d’histoires fantastiques, d’anecdotes et de souvenirs, il cherche à révéler les images étranges et refoulées de nos inconscients. À travers la peinture, le dessin, la sculpture ou l’installation, il met en forme un monde chimérique et poétique peuplé de créatures oniriques, d’objets banals qui prennent vie et de monstres cauchemardesques.

@MAX.VERDIER

FABRICE CAZENAVE

Né en 1975, Fabrice Cazenave commence très jeune la danse classique avant d’intégrer la compagnie de théâtre dansé PMA de Claude Bardouil en 1998 en parallèle de ses études aux Beaux-Arts de Toulouse. Depuis 2006 il se consacre essentiellement au dessin. Par sa  pratique multimédias, il utilise son corps pour questionner le réel. Plusieurs expositions personnelles ou collectives depuis 2009 lui ont été consacrées en France et à l’étranger. En 2021, il est reçu par le Musée Picasso d’Antibes pour une résidence.

https://www.fabricecazenave.com/

VANINA LANGER

Agrégée en Arts plastiques, née en 1980 et formée à l’Université de Strasbourg, Vanina Langer est une femme-liane. Elle crée des liens entre la forme et son fond, poupées russes de son univers infini. Entre galeries et friches parisiennes, ses lianes s’élancent en 2D et 3D, dessins et installations monumentales. Présentée au Prix des Amis du Palais de Tokyo, l’ADIAF et suivie par de nombreux collectionneurs, elle se consacre à temps plein à sa création. Du 15 au 26 mai 2021, elle présentera un soloshow rétrospectif au Garage Amelot à Paris.

http://vaninalanger.blogspot.com/p/peinturesculpturerelief.html

JULIETTE GREEN

Juliette Green fait des diagrammes qui racontent des histoires. Son travail, qui allie écriture et dessin, est montré dans plusieurs expositions et publications. Les supports sur lesquelles elle dessine atteignent souvent des proportions monumentales, ce qui invite à une lecture très physique. L’enluminure influence beaucoup son style, et il lui arrive de faire des projets dans le milieu de la bande-dessinée. En 2019, elle a obtenu son DNA aux Beaux-Arts de Paris.

https://juliettegreen.com/

AUDREY MATT AUBERT

Née en 1990, Audrey Matt Aubert vit et travaille à Paris. Diplômée de l’École nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris en 2015, elle est représentée par la Galerie Isabelle Gounod à Paris. Elle a participé récemment au Prix international de peinture de Novembre à Vitry, à une exposition collective à l’espace Emerige - Voltaire et a reçu une bourse Pacte de la Maréchalerie - centre d’art de Versailles. Elle a également réalisé plusieurs résidences artistiques à l’étranger : la PLOP Residency à Londres, Nissi 18 sur l’île de Spetses, et la Résidence au Lac Lugu.

http://galerie-gounod.com/fr/artistes/oeuvres/6695/audrey-matt-aubert

http://audreymattaubert.com/homepage/

MATTHIAS LEHMANN

Matthias Lehmann est né en 1978, il vit et travaille à Paris. Il est parfois illustrateur pour la presse et l’édition, mais avant tout auteur de bande dessinée et dessinateur. Il fait ses débuts dans la foisonnante scène du fanzinat du milieu des années 90 en publiant dessins, gravures, peintures et bandes dessinées dans une multitude de revues underground. Dans les années 2000-2010, il commence à travailler pour la presse plus traditionnelle. Il a publié une dizaine de livres, dont La Favorite parue en 2015 chez Actes Sud et fait une quinzaine d’expositions de ses dessins.

https://hubertybreyne.com/fr/artistes/presentation/3342/matthias-lehmann

ÉLÉONORE GEISSLER

Née en 1992 à Paris où elle vit et travaille. Éléonore Geissler est vidéaste multimédia diplomée de l’Ensba et de l’Ensad. Son premier court métrage d’animation Alien TV, nominé au prix Emile Reynaud, sera diffusé dans de nombreux festivals internationaux. Elle développe un univers nourrit par les contes fantastiques de l’Europe de l’Est et les films d’horreur. Son travail, basé sur une pratique du dessin dont le trait est emprunt d’humour noir lui sert de tableaux de recherches pour ses vidéos. Ces courtes vidéos expérimentales aboutiront à la commande d’un court métrage par la Ville de Paris en octobre 2020 pour la Nuit Blanche, Marcher avec les dragons.

https://www.eleonoregeissler.com/

3^ème ETAGE

MARIE HAVEL

Née en 1990 , Marie Havel vit et travaille à Montpellier. Diplômée de l’École Supérieure des Beaux-Arts de Montpellier, elle est lauréate de la bourse jeune création Drawing Room 2016 puis du Premier Prix Ddessin à Paris en 2017. Son travail a depuis été présenté lors de plusieurs expositions personnelles et collectives. Elle a récemment exposé au FRAC Occitanie Montpellier. À travers des techniques variées, elle questionne la ruine, de ses traces ingérées par le paysage et l’histoire collective, jusqu’à l’environnement domestique le plus intime et les rituels de jeux.

https://www.galeriejeanlouisramand.com/marie-havel/

Entre modélisme et dessin, Marie Havel inscrit son travail dans une retranscription d’un cycle continu de construction et de disparition. Sa démarche prend source en des lieux connus, l’artiste magnifie la ruine en envisageant ainsi « réactiver celle-ci et la définir comme mode de construction à part entière ».

« Mon travail trouve son origine à travers la notion de ruine et de son appréhension à travers l’enfance et ses matériaux, ses expérimentations. Cette démarche a pris sa source en des lieux connus et au travers d’expériences personnelles, mes terrains de jeux s’étant situés principalement dans l’Aisne près du Chemin des Dames ou sur la côte d’Opale jonchée de restes du mur de l’Atlantique. Ce travail consiste aujourd’hui en une tension entre construit et déconstruit, entre découverte et recouvrement et donc, entre jeu et ruine. Je m’intéresse aux motivations de l’action vaine, à l’apprentissage de l’échec, que l’on retrouve dans le rituel du jeu. »

GABRIEL FOLLI

Né à Chauny en 1990, Gabriel Folli vit et travaille à Amiens. Il est diplômé d’un Master Art Théories et pratiques artistiques. Son travail a été présenté en France et à l’international dans de nombreuses institutions telles que le Heuser Art Center, Peoria (US), le Centro de Artes UFF à Niterói (BRA), le Musée d’Art de Toulon, ou encore le BOZAR – Palais des Beaux-Arts à Bruxelles. Dans son travail multimédia, dont le dessin occupe une place importante, il tente de redonner aux images le pouvoir qu’elles ont perdu au fil du temps sous formes d’essais visuels et textuels, d’installations, de dessins, de collages, de peintures ou de polaroïds.

https://gabrielfolli.wixsite.com/gabriel-folli

GASPARD LAURENT

Artiste protéiforme né en 1992 et diplômé avec félicitations des Beaux-Arts de Paris, Gaspard Laurent conçoit des ambiances dessinées. Lecteur avide de science-fiction, son travail s’axe autour de récits fictionnels déployés au travers de bandes dessinées expérimentales auto-éditées et de jeux vidéo co-imaginés. En parallèle, il anime le cours « Raconter en images : storyboard » dans le cadre de la Nouvelle Académie des Amateurs aux Beaux-Arts de Paris et enseigne le dessin contemporain à l’École d’Art.

@GASPARDFERRAILLE

MARTINET & TEXEREAU

Pauline Martinet (1987) et Zoé Texereau (1986) est un collectif de deux artistes diplômées de l’ENSAD Paris. Elles travaillent depuis 2008 à l’élaboration d’une écriture commune, orientée essentiellement vers le dessin. Elles s’intéressent particulièrement aux espaces architecturaux, et envisagent leur travail comme une sauvegarde, une distanciation vis-à-vis d’objets relevant d’une certaine insignifiance mais qui n’en sont pas moins marquants, qui demeurent à l’état de souvenirs plus ou moins prégnants. Martinet & Texereau présentent régulièrement leur travail lors d’expositions en galeries, institutions publiques et foires.

https://martinet-texereau.com/

LOUISE VENDEL

Née en 1993, Louise Vendel vit à Paris et travaille à Montreuil. Elle développe une pratique artistique mettant en relief les indices d’une relation complexe entre l’Homme et son « environnement ». Elle tend à mettre en lumière la sensibilité qui émane de ces situations hybrides qui mêlent comportements et aménagements, symboles et signes humains ou non-humains, et s’attache au travers de ses dessins et installations, à faire dialoguer les traces des comportements sauvages et naturels avec celles de nos instincts émoussés par notre confort occidental.

https://www.louisevendel.com/

SHUO HAO

Shuo Hao est née à Baoding en Chine en 1992. Elle est diplômée en 2014 des Beaux-Arts de Pékin et de la Haute école des arts du Rhin à Strasbourg en 2020. Ses dessins sont notamment publiés dans The Drawer et elle publie un livre aux éditions 2024. Elle réalise plusieurs expositions en Chine et en France. Si sa pratique était à l’origine plus orientée vers l’édition, elle est maintenant pleinement dirigée vers le dessin contemporain. Elle travaille principalement au pastel sur papier et la peinture à l’huile sur bois ou toile. Dans son travail, elle s’intéresse à l’existence éphémère du corps humain et animal, entre la réalité et l’inconnu. @HAOSURE

CLAIRE MALRIEUX

Née en 1972, Claire Malrieux est diplomée de l’Ensba en 2000. Ses dernières œuvres engagent la puissance énonciatrice du dessin dans une réflexion sur les perspectives narratives et spéculatives de la pensée algorithmique. Son travail est régulièrement montré en France et à l’étranger et fait l’objet d’acquisitions dans différentes collections privées. Elle expose à la Biennale de Venise et au Collège des Bernardins en 2017 et devient lauréate « Talents Contemporains » de la Fondation François Schneider en 2018. Elle enseigne le dessin à la Hear et développe son travail de recherche au sein de l’EnsadLab et à l’ENSCI.

http://claire-malrieux.com/

FRANÇOIS RÉAU

Né en 1978, l’artiste François Réau a fait l’objet de nombreuses expositions en France et à l’étranger. Finaliste du Prix « Talents Contemporains » de la Fondation François Schneider à Wattwiller en 2016, ses oeuvres ont été exposées dans le cadre de Lille3000, Mons 2015 Capitale européenne de la Culture, au Guoyi Art Museum de Pékin, également au Palais de Tokyo à Paris. Il a montré son travail au Musée Saint Roch à Issoudun ou encore à la Kunsthal Charlottenborg de Copenhague. Il prépare actuellement plusieurs projets notamment au Domaine de Chaumont sur Loire, au Domaine de Kerguéhennec et au Drawing Lab Paris pour 2022. Il travaille aujourd’hui à la DRAWING FACTORY en tant qu’artiste invité par le Drawing Lab Paris.

https://www.francoisreau.com/

RAPHAËLLE PERIA

Née en 1989, Raphaëlle Peria obtient son DNSEP en 2014. Elle est finaliste du Prix Emerige 2015. Marinus Asiaticus, sa première exposition personnelle, a lieu en 2017 à la Galerie Papillon. La même année, elle est lauréate de la 8ème édition du Prix Science-Po pour l’Art Contemporain et du Prix Fénéon. Grace à ce dernier, elle réa-lise le projet Hopea Odorata rassemblant 80 dessins, montrés sur le Salon Drawing Now 2019. Fin 2020, elle présente une nouvelle exposition personnelle à la Galerie Papillon : Fluo Bleaching. Son projet Aridatis et Inundatio, réalisé en Argentine et soutenu par la DRAC des Hauts-de-France est exposé à l’Aparté, centre d’Art Contemporain de Montfort sur Meu en 2021. Elle travaille aujourd’hui à la DRAWING FACTORY en tant qu’artiste invité par le Drawing Lab Paris.

http://galeriepapillonparis.com/?oeuvre/Peria&navlang=en

http://raphaelleperia.com/

BENJAMIN LAURENT-AMAN

Les dessins, la musique et les installations de Benjamin L. Aman se font écho et témoignent d’une expérience physique, intime et émotionnelle du temps et de l’espace. Son travail a été montré lors d’expositions personnelles (Kunstraum Michael Barthel Leipzig, L’Atelier KSR Berlin...) et collectives (Centre Pompidou, Musée départemental d’art contemporain de Rochechouart...). Il crée des éditions et des performances sonores (Berlin Biennale VI, Club Transmediale...) ainsi que des émissions radiophoniques (The Wire on Air, Resonance FM à Londres...). Lauréat en 2018 du Prix Eeckman de la foire Art on Paper à Bruxelles, ses dessins ont fait l’objet de deux monographies (éditions P ; Manucius).

http://www.benjaminlaurentaman.com/indexf.html

ARAKS SAHAKYAN

Née en Arménie, émigrée en Espagne, Araks Sahakyan est une artiste transdisciplinaire basée à Paris. Diplômée de l’ENSA de Paris-Cergy, Araks est une artiste engagée dans différentes pratiques comme le dessin, l’installation, la vidéo, la performance et la musique. Entre l’intime et le social, elle s’intéresse tant aux enjeux politiques collectifs qu’individuels, dans une recherche de briser des frontières pour une autre communication. En 2021, on peut voir son travail à la 65^ème édition du Salon de Montrouge au Beffroi et à l’exposition Paper Art au CODA Museum à Apeldoorn aux Pays Bas. Suite à l’attribution de la bourse FoRTE Île-de-France, Araks présentera une exposition personnelle en octobre 2021 à la Galerie Ygrec.

https://arakssahakyan.tumblr.com/

ODONCHIMEG DAVAADORJ

Odonchimeg Davaadorj est née en 1990 en Mongolie. Après être passée par les Ateliers Beaux-Arts de Glacière, à Paris, elle obtient un DNAP et un DNSEP, tous deux avec félicitations du jury, de l’École Nationale Supérieure d’Art Paris-Cergy (ENSAPC). Son travail a été montré à la Galerie Premier Regard et au Salon de Montrouge, aux différentes éditons de Salo, au CAC Meymac et au Transpalette, ou encore à San Francisco, à Beyrouth et à Bruxelles. En 2013, elle a réalisé une performance au Palais de Tokyo. Elle est lauréate de plusieurs prix, dont celui de l’ADAGP du Salon de Montrouge. Odonchimeg Davaadorj est nommée au Prix Drawing Now 2021.

http://odonchimegdavaadorj.com/

http://www.backslashgallery.com/odonchimeg-davaadorj

GABRIELLE KOURDADZÉ

Née en 1995, Gabrielle Kourdadzé a grandi à Paris au sein d’une famille franco-géorgienne. Ce métissage culturel et sa gémellité l’ont très tôt confrontée à la question de l’identité. Diplômée en 2019 de l’ENSAD (Paris), elle poursuit un travail centré sur le dessin, développant une pratique de trait à l’encre. Ses travaux actuels jouent sur les superpositions de lignes et de matières, en associant cette technique à d’autres outils tels que le crayon de couleur ou la gravure sur bois. Également musicienne, elle envisage ses dessins avec un environnement sonore. Ses études à l’ENSAD lui ont également permis de s’ouvrir à la scénographie, l’illustration, la photographie, la sérigraphie et la gravure.@GABRIELLEKOURDADZE

CAMILLE CHASTANG

Après une formation en design textile, Camille Chastang quitte les Arts Appliqués pour entrer aux Beaux-Arts. À 26 ans, elle est diplômée de la Villa Arson à Nice. Forte de ces deux formations, elle tente de réconcilier et revendiquer dans son travail, un statut à parts égales entre arts décoratifs et beaux-arts. Dans le travail de Camille Chastang, le dessin est le point de départ de tout. Ses dessins lui ont permis d’être publiée dans la revue Roven. Elle écrit également des textes à propos de son rapport au dessin, et a eu l’occasion d’en faire plusieurs lectures devant des étudiants lors de différents workshops.

@CAMILLECHASTANG

http://cargocollective.com/camillechastang

THIBAULT SCEMAMA DE GIALLULY

Né en 1987, Thibault Scemama de Gialluly est d’abord photojournaliste jusqu’en 2008 puis diplômé des Beaux-Arts de Paris en 2012. Il a présenté son travail à travers des expositions en France, Italie, Belgique, Allemagne, Suisse, Arménie. Il a également réalisé des résidences de production au MGLC de Ljubljana en Slovénie, à la Cité internationale des Arts de Paris, à Astérides à Marseille et en Thaïlande. Il est aussi co-créateur de l’espace de l’artist-run space Clovis XV à Bruxelles. Dans son travail, Scemama de Gialluly agence des images pour former des cartes mentales de sécessions non cartographiables, il dessine un monde aux géométries subjectives pour redonner droit au désordre de la vérité.

CHLOÉ DUGIT-GROS

Née en 1981, Chloé Dugit-Gros vit et travaille sur l’Île Saint-Denis. Son travail est traversé par des formes élémentaires qui surgissent dans les dessins, se transposent en sculptures, forment des environnements, font des apparitions en vidéo. Elle a bénéficié de plusieurs expositions dans des institutions (au centre d’art de Quimper, à la Friche Belle de Mai à Marseille, au Domaine de Chamarande, au MRAC Sérignan, à la Villa Arson à Nice...) tout en restant fidèle aux espaces alternatifs. Elle a également obtenu de nombreuses résidences de travail. Elle a notamment exposé récemment à l’atelier W à Pantin, à Toshiba House à Besançon, à la Scaramouche Gallery à New York, à la PSM Gallery à Berlin, ou encore à Lafayette Anticipations.

https://www.chloedugit-gros.com/

ETHAN ASSOULINE

Ethan Assouline est un artiste né à Paris en 1994. Sa pratique explore différents médiums tels que la sculpture, l’édition, l’écriture et le dessin. Il est diplômé de l’ENSAPC. En 2020, Il publie la revue Disparaitre qui s’intéresse à la ville moderne et son langage. Il est associé à différents projets collectifs, comme la revue Show et la structure de diffusion et de production Massage Production. Son travail a été exposé entre autres à Treize (Paris), Zabriskie Point (Genève), Macao (Milan), Le Crédac (Ivry-sur-Seine), Le Plateau- Frac Île-de-France (Paris), Bonington Gallery (Notthingham), la Villa Arson (Nice), la New Gallery (Paris).

http://ethanassouline.fr/

POUR EN SAVOIR PLUS

AVEC LE CENTRE NATIONAL DES ARTS PLASTIQUES – CNAP -

Tour Atlantique, 1 place de la Pyramide, F-92911 Paris La Défense

+  33 (0)1 46 93 99 50   - www.cnap.fr

PARTENAIRES

Art absolument, Artvisions, Artension, Atelier Franck Mangon, Carand’Ache, Le Quotidien de l’art, Drawing Hotel, Les Arts Dessinés, Point Contemporain, Marin Beaux-Arts, Winsor & Newton, Viarco, L’œil, Drawing Society, Beaux-Arts, Atelier R.L.D, The Steidz, Drawing Now ArtFair, Le Journal des Arts.

INFORMATIONS PRATIQUES

La Drawing Factory

11 avenue Mac Mahon

75017 PARIS

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